🎧 歌曲：Strand, Tsuyu, Minawa — aus
📀 专辑：《eau》（2025）
🎵歌手个人网站：https://flau.jp/artist/aus/， http://www.ausmusik.com/
专辑访谈：翻译选自 https://uncannyzine.com/posts/72809
您最新的作品《Eau》以其风格上的重大转变而引人注目，作品中贯穿始终的乐器是筝。最初是什么启发您考虑将传统乐器融入作品中？
–我曾有机会在一次音效设计工作中运用日本乐器的音色。项目要求呈现一种日式意象，例如“雅”或“侘寂” ，但其基础是电子音乐，所以我创作了一些添加伪共鸣效果的音效。在这个过程中，我重新发现了乐器本身音色和短促回响的美感，并开始对围绕筝创作音乐的想法产生了兴趣。我之前只在新年期间的神社、旅馆的背景音乐或日本音乐唱片听过筝，对它作为一种乐器几乎一无所知。正因如此，我才觉得可以跳出筝作为日本乐器的传统语境，从声音的角度去审视它。或许正是这种未知感激发了我创作这首作品。
您觉得筝的哪些方面最吸引您，最有潜力？我想问问您是否特别关注过某些方面，例如演奏者的体态或乐器的音响特性。
–以《春之海》为象征，筝被特定年龄段及以上的人普遍视为新年之声。我认为筝本身就是一种被广泛聆听的日本音乐和象征，但正因如此，我才对尝试以一种更为超脱的视角重新诠释它，并将其重塑为我自己的音乐产生了浓厚的兴趣。从声学特性来看，筝的音色衰减迅速，回响短暂。然而，在这短暂的回响中，却蕴含着惊人的表现力，而且有很多巧妙的方法来控制和改变共鸣。此外，筝音的弯曲变化，如同使用“引色”（绘制的色彩）一般，极具吸引力。筝音并非直线演奏，而是略带颤音或钩状。这种将演奏者的身体干预直接体现在声音中的表达方式，是我之前从未想过，我想，这正是它吸引我的地方。
新闻稿中提到，这张专辑的设计围绕着筝微妙的起音和，并与电子音效和钢琴形成对比。您能否详细谈谈在声音设计方面，您是如何将筝置于整张专辑核心位置的？
–基本上，我围绕着筝的旋律重复构建了一种关系，钢琴和合成器与之互动并做出回应。筝的旋律本身非常简单，但每次演奏时，触弦的质感和回响的渐弱都会出现微妙的变化。奥野先生在他的演奏中赋予了它多种变化，因此我在混音格外注意尽可能地突出这些细微的差别。尤其是在专辑的前半部分，我将筝的触本身视为节奏的核心，琴弦触碰琴弦的瞬间质感推动着时间向前流动，而钢琴和合成器则跟随这种流动，同时保持一定的距离以做出回应。日本音乐的时间感并非像所谓的西方音乐那样建立在清晰的框架或发展之上，但我特意为专辑的前半部分设定了一个固定的时间轴和结构，并利用筝的自然波动营造出一种错位感。结构上的参考点包括美国后极简主义音乐，例如New World Records和Mode厂牌的作品，尤其是Peter Garland和Daniel Lenz的作品。他们运用旋律重复和简单的素材，却能从文化语境和音色处理中提炼出独特的时间感。我相信这种距离感也为我这次处理筝的方式提供了参考。
新闻稿中还列出了Koto Vortex的《Koto Vortex I：吉村博作品集》和諸井誠的《日本乐器空间音乐》作为对您的影响。
–《Koto Vortex I》是奥野先生介绍给我的专辑，它非常优美，柔和的筝音琶音如同竖琴般轻柔，旋律清晰明快。他是在我制作demo的时候跟我提起这张专辑的，所以我当时很小心，尽量避免受其影响（笑）。諸井誠的《日本乐器空间音乐》是一张非常紧张的作品，但我认为它正如其名，是3D音效的先驱之作，对空间的处理非常出色。虽然使用了日本乐器，但它给人的感觉是空间本身在变化，而不是音乐在推进，我认为它在声学方面对我的影响尤为深远。当我聆听使用日本乐器演奏的作品时，我感到重要的不仅仅是声音本身，而是声音之间、余音绕梁之间所蕴含的情感。我记得很久以前读过武满彻的一本书，里面有一段话提到，海豚并不聆听彼此的声音，而是感知彼此间沉默的长短。这种感受与日本音乐不谋而合，也为我的创作提供了重要的启示。
关于专辑名称“Eau ” ，为什么选择法语中“水”这个词而不是一个自造词？请告诉我们它与作品概念联系。
–创作理念是通过感知每个声音中蕴藏的瞬息万变和丰富内涵，一点一点地塑造一个声音的世界。虽然它不像宫城道雄的《水的变形记》，但我想要创作一部像水一样不断变化形态的作品，同时又能传达出丰富的流动感。
桥本麦的画作也极具标志性，但你是如何分享和发展视觉概念的呢？
–与五线谱不同，筝谱使用一种叫做弦记谱法（竖式记谱法）的记谱方式，用汉字数字来表示琴弦的名称。这次奥野先生为我记谱。当我第一次看到一排排竖直排列的汉字数字时，就被它们独特的视觉美感深深吸引了。
